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Asma
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Laajimi Next Description

Eau et Soleil (2020)
Depuis deux ans le rosier rouge dans notre maison est atteint de la maladie des champignons. Ne produisant que presque quatre roses par an, ma mère refuse de l’enlever ou de le remplacer par une autre plante, elle continue à chercher des solutions… Tout a commencé le jour où j’ai entendu un podcast à la radio parlant de “comment entretenir/protéger l’amour pendant le confinement ?” L’expert invité a donc parlé de la flamme amoureuse, de la passion et de l’effort que doit fournir l’amoureux pour garder son partenaire à ses côtés malgré l’incertitude. C’est alors que j’ai commencé à voir la relation que ma mère avait avec son rosier différemment. Chercher les métaphores m’a aidé à assimiler une réalité : la capacité que ma mère avait pour aimer inconditionnellement et la persévérance qu’elle avait face à l’entretien de la plante. Cette relation est évidemment basée sur une sorte de dualité : L’effort que ma mère fournit continuellement pour sauver la plante et à l’encontre ; la non-productivité de ce rosier. Je me suis impliqué à l’aider à chercher des solutions, c’était une mission parmi les missions du confinement ; retrouver l’espoir, faire revivre les choses... Pour ma mère, la plante était un repère et une richesse qu’elle doit garder dans sa vie. Et pour cela elle ne doit jamais perdre espoir. Ce n’est nullement une approche de profit. Et pour moi c’était une figure inévitable. Est-ce qu’on peut réussir à être aussi fidèle dans ces temps-là ? Est-ce que cette mentalité amoureuse existe encore de nos jours ? Une certaine persévérance a été fortement exigée pendant le confinement. Certes la pandémie nous dépasse, mais pas seulement la maladie ; nos émotions, nos intérêts et nos convictions. L’Homme comme la plante a besoin d’attention et d’amour pour survivre. La vivacité n’est qu’une preuve de persévérance.

BIO

Née à Sousse en 1999, Asma Laajimi est une photographe et réalisatrice tunisienne.
Depuis son plus jeune âge, avoir une caméra pour Asma était une façon de parler de ses émotions et de ses idées à travers un style visuel narratif particulier. Elle a participé à plusieurs festivals et expositions nationales, notamment le Festival International du Film Amateur FIFAK (Tunisie 2016), Chouftouhonna Festival International d'Art Féministe (Tunis, 2018), Utopies Visuelles (Elbirou Art Gallery,2019).
Sa première exposition personnelle est "Fish That Are Learning to Swim" (Elbirou Art Gallery, Sousse 2019). Elle a réalisé quatre installations vidéo : Sécurité (Elbirou, 2019), Où est la syllabe ? (SEE Djerba Media Art Festival, 2019), Balade dans mon quartier (Novembre Numérique, 2019) et Free Plastic Boumendil (Ecologic Design Festival, Tunis 2020)
En 2020, elle a co-réalisé un court métrage documentaire nommé “Tarik”. Son dernier court-métrage "Eau et Soleil" (2020), filmé pendant le confinement a été sélectionné pour participer à "Confilmés", un festival du film en ligne organisé par le Goethe Institut Tunisie.

 Go Back Isssam detail Issam
SMIRI Next Description Textile is a form of art that is highly present in the everyday life of people. For me, tapestry represents one of my first encounters with illustration and narrative art, through the carpets, curtains and cushions of my childhood home. Tapestry and carpet weaving as an art form has a long and rich history in Tunisia and in my native region of Kasserine, where carpets traditionally carried symbolic and ritual meaning and had intimate ties with ancestry and tribal identity. Today, tapestry in its industrialized form has largely lost its symbolic significance; instead of being surfaces of narration, carpets have become merely decorative. My current project “ Narrative Surface / 01 “ attempts on the one hand to allow comics as an art form to go beyond the limits of the printed medium and its publishing and distribution in Tunisia, and on the other hand seeks to respond to the need for innovative design solutions reinstituting the connection between design object, user experience and storytelling. The point of departure of my project is the carpet as a narrative surface and as a medium for storytelling, in order to reassign its symbolic and narrative function. Through merging carpets and contemporary illustrations, I also seek to expand the understanding of comic art and introduce a new medium for comics that goes beyond the limits imposed by publishing and expands the role of the cartoonist. The concrete objective of the project has been to create a series of comics in the form of carpets, in collaboration with local artisans in Kasserine. These carpet-comics seek to explore three fundamental questions filtered through my personal experiences, reflecting different aspects of the social and symbolic universe of my family, community and native region. When the pandemic broke out, the practical circumstances forced me to return to my family and my native Sbiba, where I suddenly found myself with a lot of time on my hands and unlimited access to the people and the social context that inspired and creatively nourished this project. I resumed my research to explore carpet as narrative mediums, and had the opportunity to meet and collaborate with the craftswoman Houriya Bouzidi and to initiate a sort of aesthetic dialogue between the mediums of graphic design and tapestry; together, we experimented with techniques and styles, which led to beautiful visual discoveries. In this project, I let the past – embodied through my personal memories and childhood universe in Sbiba – serve as a starting point to explore and bifurcate three essential questions concerning the future (What can I know? What must I do? What can I hope for?). Confinement allowed me to explore this universe further, and served as a creative catalyst for my project. BIO I am a graduate of the Higher Institute of Art in Tunis with a national degree in Arts and Communication, and I have been professionally active in the fields of graphic design and illustration since 2010. The socio-political developments in Tunisia in recent years have oriented my artistic practice towards narrative art, which led me to joining the experimental cartoonist collective Lab 619. As a member of the collective, I developed and refined my personal artistic expression as a cartoonist. My work with the collective was the exploration of new editorial alternatives such as collective workshops and artistic residencies outside of mainstream publishing mechanisms. In parallel with my experience with Lab 619, I also had the opportunity to join a global design studio based in the medina of Tunis, collaborating with local artisans. I worked as a graphic designer and illustrator alongside product designers, interior architects and artisans, which gave me important insights and a fuller understanding of the dynamic and the challenges of the design sector; this, in turn, pushed me towards searching for innovative solutions to practical problems implicated in the design process. In this spirit, I cofounded the collaborative project “ Surface Collective ” in 2019 with my partner Aziza Gorgi (designer), aiming at generating synergies between sectors that have the potential to complement each other and forge new collaborations, opportunities and ways forward, but also to reinvent the narrative function of artisanal objects. Go Back Lotfi detail Lotfi
GHARIANI Next Description Lotfi Ghariani (Tunisia) was born in Sfax and currently lives and works in Tunis. He holds a degree in computer management and a professional degree in photography. He has participated in numerous exhibitions in his country and abroad, including: Spring Fair of the Arts of Tunis 2011, F.I.A.P - Maharès in Tunisia 2007. He represented Tunisia at the 3rd photography workshop Mediterranean of Alexandria - "Artists in the City", in Egypt, in 2008 and at the 6th Biennale international of arts of Tunis, in 2010. He was invited to the pan-African group exhibition at the Biennale of African Photography in Bamako, Mali 2011, at the project "Façade...s" with the Goethe-Institut Tunis, 2012, at the exhibition "Dialogue" at the Fondation Maison de la Tunisie - Paris, 2013 and at "L'Autre(s)", collective exhibition at the Claude Samuel Gallery, Paris 2014. He has mounted two solo exhibitions, the first one in 2015 "Dialogue Silencieux" in Lokal Harmony - Duisburg, Germany and the second, "Democracy is not a ready-to-wear", at the Pakhuis in Zwijger - Amsterdam 2016. He has taken part in photography workshops in Tunis, Germany, Spain, Italy and has done art residencies such as "Was sie sehen! Ist was sie denken" with - ARTverwandt e.V., 2011 and "Irony as form of protest" with Ruller Haus e.V. 2014 - Osnabrück - Germany. BIO I am a graduate of the Higher Institute of Art in Tunis with a national degree in Arts and Communication, and I have been professionally active in the fields of graphic design and illustration since 2010. The socio-political developments in Tunisia in recent years have oriented my artistic practice towards narrative art, which led me to joining the experimental cartoonist collective Lab 619. As a member of the collective, I developed and refined my personal artistic expression as a cartoonist. My work with the collective was the exploration of new editorial alternatives such as collective workshops and artistic residencies outside of mainstream publishing mechanisms. In parallel with my experience with Lab 619, I also had the opportunity to join a global design studio based in the medina of Tunis, collaborating with local artisans. I worked as a graphic designer and illustrator alongside product designers, interior architects and artisans, which gave me important insights and a fuller understanding of the dynamic and the challenges of the design sector; this, in turn, pushed me towards searching for innovative solutions to practical problems implicated in the design process. In this spirit, I cofounded the collaborative project “ Surface Collective ” in 2019 with my partner Aziza Gorgi (designer), aiming at generating synergies between sectors that have the potential to complement each other and forge new collaborations, opportunities and ways forward, but also to reinvent the narrative function of artisanal objects. Go Back Amandine detail Amandine
Lesage Next Description Une vie d’exode, exode au fond de nos pensées. L’enfermement nous a coupés d’un monde dont les couleurs n’ont plus lieu d’être si nous ne sommes plus là pour les voir. Le monde nous est accessible par la fenêtre, un entre-deux spatial et temporel, entre dehors et dedans, entre un maintenant et un après. La maison contient notre monde connu, notre temps et notre avenir, tant que nous y sommes confinés. Et c’est par elle que nous nous redéfinissons, dans notre exode intérieur, pour embrasser la lumière de la liberté retrouvée. A life of exile, exile in the depths of our thoughts. The confinement has cut us off from a world whose colors don’t exist anymore if we are no longer here to witness them. We access the world through the window, a spatial and temporal in-between, between outside and inside, between a now and an after. The house contains our known world, our time and our future, as long as we are stuck in it. And it is through it that we can redefine ourselves, in our inner exodus, to embrace the light of recovered freedom. BIO Amandine Louisa Lesage est étudiante à Paris depuis septembre 2015. Franco-tunisienne, née en Tunisie en 1998, elle rencontre la photographie en 2011 et réalise sa première exposition personnelle 3 ans plus tard. Son travail est caractérisé par l’observation attentive des situations, l’analyse des interactions, la déduction des possibles, pour donner à voir sa propre réalité. En 2016, ses photos sont exposées dans le cadre d’un événement musical organisé par Zoll Projekt au 45 Tours Bar, à Paris. Son travail sur la rue Denoyez dans le quartier de Belleville est publié dans la revue (D)ailleurs et d’ici n°3 d’octobre 2016. En 2017, elle participe à Chouftouhonna, la troisième édition du festival d’art international féministe tunisien organisé par l’association Chouf au Théâtre national tunisien, place Halfaouine. Elle y expose aux côtés de 55 nationalités différentes. En avril 2019, elle participe au 5ème FOMA (FOrum Mondial des Anciens élèves) des lycées français du monde avec sa série « Fards » : 8 photographies se présentant en couple et rendant hommage aux ambiances, aux impressions, aux odeurs de 4 villes différentes. En mars 2020, en plein confinement, elle répond à l’appel « Artists Against Corona » lancé par la plateforme en ligne Archivart avec 3 photographies. Durant l’été 2020, son travail est retenu pour la troisième édition d’Utopies Visuelles, manifestation culturelle organisée dans la ville de Sousse, sur la terre de son grand-père maternel, par la galerie El Birou. Sa série photo avait pour thème sa sensation de l’état d’esprit commun vécu durant le confinement. Go Back Ameny detail Ameny
Nebily Next Description During the lockdown period, I found myself isolated in my old room in my parents' house.
Isolation. What a word! This word is a boat that I have sailed on years and years before, and I still get on board from time to time. The boat takes me to places within me that never thought would see my light gleam on them.
I must say that I spent the majority of the general lockdown period inside my room. At times I would contemplate my surroundings, objects that I had an emotional attachment to: my bed, my mirror, my photos and papers...
My thought would later on expand, gradually leaving my room, roaming in my neighborhood, inside other people's homes, imagining them in their own isolation too.
The pandemic was somehow an inevitable reminder that had to descend upon our societies to give us time to reflect and remember, empathize and adjoin and to see ourselves as individuals, stripped, separated from the masses and from the rushing of time, and spaces.
I thought about the people that were deprived from this fraction of peace of mind others were indulged with, the people who were struggling to survive, the ones who saw their loved ones depart in a brutal cold split of a second, stolen away by this virus and the chaos of the pandemic. All I could do is wish them solace in their grieving. As I was studying my medical courses, I thought about the utter complexity of human beings and the extreme fragility of their immune system when attacked by harmful microorganisms.
I saw this pandemic as a vast forest, filled with souls trying to survive its atrocities. It has places of safety for ones and lethal corners for ohers.
Going back to my parents' house have always triggered in me horrible memories of childhood troubled times, and just like my room and my striving for creation sheltered me before, they have done it all over again. That room has witnessed many moments of distress, evil and shivers but it has also been a cradle for my fragile self and its artistic creations.
This room welcomed me to be as I am, naked, pure, untamed. I took my first nude selfportraits in it and I turned it into a safe space for unlimited, celestial creation. I flipped through my papers and videos, videos that were taken during the period that directly preceded the lockdown in Tunisia, during the calm before the storm. And from those recorded visuals and sounds, from a time that now strangely feels so far away yet so close at once , and a love letter I have had recently writen for my lover , I created my first short film "Les émotions des mondes parallèles".
This film is so dear to my heart, as it removed me from the tumultuous disheartening events that happened in my family during that time and flew me into a utopian tender cloud on which I rested and recharged my soul. BIO Ameny Nebily is a young Tunisian filmmaker and photographer. She was born in 1999 in Gafsa, Tunisia and is currently living and working in Tunis. From a young age, she showed an interest in various forms of artistic expression. Through her work, she explores the themes of intimacy, the multifaceted relation of humans and society with the uncovered body and the act of exteriorizing highly personal visual experiences with the outside world. She strives for her creations -regardless of the medium they are conveyed through- to be of an utmost emancipation and purity, and to transcend any societal restraints and censorship. She is currently a medical student in the Medical School of Tunis, since 2018. She intends to be multidisciplinary and pursue an autodidactic career in filmmaking, along with a career in psychiatry. Her fascination with the complexity of the human psyche and the way films can be capable of transmitting and affecting emotions has driven her to believe that the results of a melding between these two elements can be outstanding. During her teenage years, starting from 2016 she started experimenting with nude auto portrait photography, and creating an intimate visual narrative in a therapeutic attempt to dissociate with her environment and reflect on her own psyche, memories and dreams .She used Instagram as the virtual platform on which she curated and displayed her work in a virtual gallery format. "Les émotions des mondes parallèles" is her first short film that was created in 2020, during the first general lockdown period in Tunisia.Her upcoming second film "Mes câlins disparus" is being created at the moment. Go Back Safa detail Safa
ATTAYAOUI Next Description In a context that is more current than ever, the helpless and vulnerable human being facing a situation he cannot control is now transformed into an anxious subject on the move. Under the influence of frustration and fear, the subject is confronted with an invisible entity that takes hold of him emotionally and physically and wears him down. The body in its perpetual struggle becomes tired, weakens, degrades until it tends to disappear. Will it find a way to be reborn from its ashes? In a quest to represent through drawing this inner state, I thought of animation as a means of 'documenting' this invisible degradation over time and this inner struggle. This project, was born out of a desire to explore a new medium for drawing: animation. I then succeeded in making animated sequences from hundreds of drawings. But due to a lack of time, this exploration of a new media was interrupted by a succession of other projects that at the time seemed more urgent to execute. In confinement and in this time of 'pause', I had the opportunity to return to this unfinished project hoping to get back on track and take advantage of the time offered by these circumstances, unfortunately very difficult that we are undergoing, to follow up on this project and plunge into the magnificent world of animation, perhaps offering myself the luxury of completing a project that is close to my heart. In these difficult times, creation is considered, in the first instance, as an escape to a utopian world. Secondly, it is seen as a means of resisting uncertainty, boredom, anxiety, and a distressed economic situation that the entire population nationally and internationally is sharing . Finally and in a third step, Creating is a power that transforms an imposed situation into a given opportunity to reflect and move forward in order to bring about a better version of ourselves, to the world of tomorrow: the post-confinement world. BIO Born in 1990, Safa Attyaoui lives and works in Tunis. A multidisciplinary artist, she moves from drawing lines to sewing thread and from collage to video while creating a subtle link between her transitions. Attentive to material encounters, she explores textures and recovers objects that she then reintegrates into her work, creating a particular atmosphere where the history of the materials is linked to her personal history. Safa attyaoui thus draws from her experiences the object of her creations in order to question the relationships that link man to his environment. Her work has been shown in several collective exhibitions, among which "Utopia, 100 years of the Bauhaus" in Dar Lasram, "... entrelacés" at the Safia Farhat Museum and "Utopies Visuelles 2" in Sousse. She has participated in artistic residencies in Tunis (Living art center of Radès, Jiser Reflexions Mediterrànies) and in France (the art residency of Issoudun) during which she had the opportunity to further explore drawing and embroidery as a narrative tool to reveal emotional sensitivity in personal life experiences. She has since developed an artistic research that revolves around memory and trace. In March 2020 her first solo exhibition took place in the Chapel of Saint Monique at the IHEC in Carthage. Go Back Sirine detail Sirine
TOUIBI Next Description Une projection en noir et blanc qui montre en gros plan, deux mains en train de tricoter. A travers ce travail plastique, j’ai eu recours aux fils de laine qui tracent des lignes continues dans l’espace tel le phénomène de l’écoulement du temps. Le fil de laine représente la caractéristique de la continuité de la vie. D’après le dictionnaire de l’étymologie, le fil ferait allusion à « un déroulement dans le temps et l’espace »1. La projection des mains qui sont en train de tricoter est mise en arrière ce qui renforce le désir de faire revenir le temps qui s’est écoulé. A cet égard, Penelope dans le mythe de l’odyssée, dans l’attende d’Ulysse qui est parti à la guerre, fait patienter ses prétendants au mariage. En tissant sa tapisserie le matin et en la défaisant le soir, Penelope applique la notion de « faire et de défaire » que je matérialise dans mon travail plastique. Le travail présente une raison psychologique représentant un désir de garder la vivacité du souvenir. En effet, ce dernier reste abstrait dans notre mémoire à cause de l’existence du passé qui tue notre conscience de ce souvenir. A travers cette projection, on a pu rendre ce dernier voire, vivant. En d’autres termes, il est possible d’aller au-delà de la loi du temps. En ce sens, Maurice Maeterlinck affirme que : « le passé est toujours présent »2. 1J. Dubois, H. Mitterrand, A. Dauzart, Dictionnaire d’étymologie, Edition original Larousse 1964, p299. 2 Didier Glehello, Mon Poeme.fr, http://www.mon-poeme.fr/citations-passe-present/ De son côté, Bill Viola insiste dans ses œuvres sur le temps et l’espace. Il manipule le temps, le fixe, le répète et le ralenti pour montrer toutes les lignes et les formes de mouvement du temps. Il a sculpté le temps et l’utilise comme matière. L’image de la laine représente un moment présent qui a existé dans le passé et vice versa. Cette harmonie entre les temps, y compris le passé et le présent, fait référence à un cercle vicieux qui marque cette continuité voire, l’immortalisation des souvenirs. Le temps lié au passé et au présent se construit par rapport à la conscience de l’homme, cet être qui porte en lui les souvenirs du passé et le vécu du présent : deux aspects temporels qui semblent différents mais qui, en réalité sont similaires. En effet, le concept du souvenir, n’existe pas seulement dans le passé, mais se comprend aussi, dans plusieurs moments. BIO Sirine Touibi, née à Sousse (Tunisie) en 1993. Elle est diplômée de l’Institut Supérieur des Beaux-Arts de Sousse ; spécialité Arts Médiatiques. Elle a obtenue son master de recherche en Arts Visuels en 2018 et elle poursuit son doctorat en esthétiques et pratiques des arts. Sirine Touibi maîtrise divers média : photographie, vidéo, performance, installation vidéo et interactive. Sa démarche artistique présente une réflexion sur l’image, la mise en espace et plus encore, le geste interactif qui est étalé dans de nouvelles proportions. Son travail est relié au regard dans une perspective précise qui correspond à tout ce qui est mental, invisible, caché et créateur d’illusions optiques. Par l’interactivité, le corps et l’espace se tissent de façon complexe, une variation de distance et synchronisation de positionnement. Go Back Sami detail Sami
Fakhet Next Description Mechanophilia is a paraphilia that consists of the love of or sexual attraction to certain electronic or mechanical objects such as cars, bicycles, robots or any other kind of machinery. Mechanophilia is a subject that has been expressed in various forms of art by many artists and it has pushed me to create what became my very first short film (The Draft) I faced several problems trying to participate in this competition and they were mainly due to the global pandemic itself and the orders given by the government such as the travel restriction; as i wanted to make a film in Bousalem in a specific location but unfortunately had to cancel my trip at the last minute just before having an idea for another film (The Draft) which i shot mostly at my apartment completely on my own along with the computer designed sounds made by Tima Savchenko. ''The Draft'' is an experimental film that discusses ''diseases'' in general, it expresses a sort of personification of the subjective feeling itself that comes along with sickness which makes it fit perfectly with the individual memory theme while the claustrophobic feel that it gives reminds most of us of the hard days of lockdown which have been mostly a source of inspiration for me in order to write and eventually make the film. BIO Sami Fakhet (b. 1998) is a filmmaker based in Tunis, Tunisia. He first started with photography during his teenage years, It seemed natural for him to continue his studies in filmmaking at EAD (Ecole d’Arts et Décoration) specializing in Cinematography. which he graduated from in 2019. In a constant motivation to expand his palette of skills he started experimenting with various forms of art such as minimal Japanese ink painting, Scanography. Sami spent a few months during this time learning and working in the field of commercials and advertising which had a major influence on his work later on when it came to techniques of self-built set props and the creation of accessories along with Trompe-l'œil skills that are prevalent in cinema. He is also interested in the avant-garde fashion scene which allowed him to orient his photography in that field and dive thoroughly through innovative and advanced camera techniques that would also help him in later video art projects and short films. Through these various forms of art Sami tries to express things that emerge from genres and themes like Mechanophilia, Cyberpunk, Technology, Dystopia, and Introspection. Sami met some success through his participation in many filmmaking competitions such as 48hour film festival (Tunisia’s 1st prize 2018), Iwatch’s 48hour film competition (1st prize 2015) and working as co-director, editor and cinematographer. Go Back Selma detail Selma
Seffi Next Description These two pictures were taken in 2020 on an analogue Canon AE-1 camera using an Ilford XP1 35mm film from 1984. I assume that during their 36 years of isolation, the film must have gotten anxious as to when it would finally come out. However, I can't help wondering if, by buying it, I might actually have disturbed a 36 years long period of peace. What if the developed film is still weeping in excruciating pain to go back to the film capsule? Would I have saved it or doomed it to further pain? In a period of confinement you start to get used to everything around you and it is strangely satisfying. Reading seems the most pleasant activity and you could happily just keep on reading forever. Hence, you spend countless hours virtually living through the pages. You develop olfactive fatigue, everything smells the same. Everything tastes the same. People in your house become part of the furniture but it is not a problem, on the contrary: you have never felt safer. When you put your book down to go to sleep your brain knocks on a door and for the first time in a long while the door opens. You invite everyone to come out. You debate extensively. Slowly, everyone vanishes from the discussion and it becomes pitch black. A pleasant feeling remains from these strange creatures. You want to meet them again and you wait for them every night. Upon waking up, you stretch and your hand lands on your bare skin. Your hand feels enjoyably unfamiliar. You remember the feeling of the softest and most passionate touches than once caressed you. A second later, the agreeable memory becomes disgusting. You feel repulsed and scared by these strange but once so pleasurable hands. You decide you will never see those people again. You are better off on your own with no external disturbance. You would rather have the mysterious beings’ company. They are highly stimulating. You wake up in the middle of the night. Time freezes for what seems like forever. Did you really feel that touch? Are you real? The only way to know is to get up and bite one person in the other rooms... But you are tired and you go back to sleep. In the morning, you look out of the window. The world looks better undisturbed and you would never ruin that peace again. The idea of the confinement ending seems atrocious… An abrupt thought hits you: you feel better isolated from the world because you were never good at facing it. If you were to stay in forever, your memory would just vanish and it is less painful than reality. Getting outside isn't’ physical, you could escape with a thought but you refuse. It would mean that your existence is linked and judged to and by others. In reality, you were always longing for a touch, a smell, a taste but your fear initiated by the comfortable distance the confinement brought held you from realizing it. You brain tricked you into liking this torture. You are both people in the pictures. From above, we are all just snails who have discovered their shells for the first time and forgotten how to get out. BIO Five hundred words seem like a lot to describe my almost non existent artist biography. Nothing in my academic, extra-academic or professional journey could prove that I am an artist. Depending on how you would define the word artist, I might just be an individual who happens to sometimes take some pictures. In fact, I am a 21 year old Tunisian business student at Tunis Business School majoring in Business Analytics and minoring in International Business Economics, a field that is seldom qualified as artistic. The only proof of my artistic practice is a little camera case in the corner of my room along with a small pile of 35mm films. I started taking pictures because analog photography seemed like magic. You mix just the right amount of light with a sensitive film and some chemicals and a snippet of time appears. Photography allows me to reflect and to interact with time and memory.I would like to one day say that my pictures reflect me. For now, they only reflect the process of becoming me. To help you better understand the work I am presenting, I direct you to two of my inspirations which are two French films : La Jetée (1962) by Chris Marker and Un Homme qui dort (1974) by Bernard Queyesanne and Georges Perec. Go Back Sakka detail Sakka
Mahmoud Next Description The lockdown period with everything that came with it induced in me and in many of the people who went through this experience new ideas, feelings and moments of deep reflections. This experience revolved around the restrictions on our movement and the social distancing that created new understanding of ourselves and of our relationships to people, places and our environment in general I will now speak of myself, my own personal view to this particular theme. I imagine that this personal perspective can be relatable, on way or another, to other people. My painting drew its inspiration from a series of metaphors that were gradually created in my thinking, during quarantine. I imagined our world as a virtual server, and us players or actors in this server. With the appearance of the pandemic, we were somehow banned from this server, no longer being able to interact our environment the way we used to , be of actual influence to it ,or actively save ourselves from the occurrence of this ban. We were nonetheless, still existing, still part of this server and still being influenced by it. As if the pandemic inversed the illusion of the control we had over our surroundings and brought us to a realization that the world is playing us as much as we thought we were playing it. In a group of notions and phenomena we exist through and have a certain daily relation to, such as time, distance, human relations and physical/emotional contact with our surroundings. I saw a new element emerge and transform the way we saw and understood these elements. I called this element Fabric. Fabric is the metaphor after which my artwork is named. This invisible and omnipresent fabric that had a place in those elements we live with and through started taking new shapes and forms depending on the elements it resides between. I will now leave you to imagine a malleable fabric between two people, inside a physical or emotional distance, in time, between places and forms... BIO Mahmoud Sakka is a Tunis based visual artist .He was born in Sfax, Tunisia in 1998 and he currently lives and works in Tunis. At a young age, he learned and worked with academic calligraphy. His art involves flexible characters and abstraction of organic movements and forms. The time he spent in the street helping friends and making his own artworks was an opportunity for him to enrich his visual experience with that exchange In 2018, he assisted Edgar Endress on a project called "passport to the horizon." During the same year, he assisted Mohamed Ben Soltane in UV (Utopies Visuelles). In 2019 he assisted ST4 the project in their solo show and in another project called "Geyla".
He graduated in 2020 as a graphic designer from EAD (école d'arts et de décoration). He is now working on a series of paintings called "The eternal war of conflicting values". Go Back Manel detail Manel
Romdhani Next Description Si la mesure est contestée c’est parce qu’elle rend les choses abstraites et les réduit à des chiffres. Croire que la distance est toujours la même en mesure de kilomètres est acceptable pour les géographes et les géomètres mais tout dépond des moyens et de l’expérience vécue pour ceux qui les parcourent. « Ce n’est pas la distance qui mesure l’éloignement » disait ST.Exupéry.
Prendre la mesure de …, être en mesure de …, se mesurer à ..., manque de mesure…L’acte de mesurer relève d’une sensibilité, d’une expérience, d’une pratique. Si nous vivions dans un monde métrique, l'objet "règle" ou "mètre" détourné ici met en question nos systèmes de mesure et nos conventions spatiales.
Il s'agit ici d'un diptyque présentant deux paysages questionnant les deux paramètres principaux de la notion de la mémoire: l'espace et le temps.
Le premier dessin présente des connexions arborescentes entre des graduations irrégulières. Une relation entre le sol et le sous-sol. Il faut bien fouiller !
Le deuxième dessin présente une composition; des aiguilles et des pièces internes des montres; plantés sur des branches issues des graduations.
Je continue à interroger cet écart entre le discours scientifique et le réel en d’autres termes l’écart entre l’instrument scientifique et les interprétations que l’on déduit. BIO Manel Romdhani, née à Kairouan en 1993, vit et étudie entre Beirut et Sousse. Elle est Diplômée de l’Institut Supérieur des Beaux-Arts de Sousse (Tunisie) ; spécialité Arts médiatiques. Elle a obtenu son master de recherche en arts visuels et continue actuellement son Master en critique d’Art et curatoriat à Beirut. Sa recherche artistique présente une atmosphère intrigante dans sa structure, invite à réfléchir sur les trois productions mentales (texte, chiffres, dessin) tout en questionnant notre rapport au monde à travers ces trois « para-mètre(s) ». Mis à part son parcours comme une artiste, Manel Romdhani a intégré l'équipe curatoriale du sculpteur libanais Nadim Karam et elle a travaillé sur la collection de la peinture du Ministère de la culture libanais comme étant une aide assistante en restauration. Go Back Emna detail Emna
Messai Next Description Cette œuvre s’inscrit dans la série Tunizilla 2.0 une série d’œuvres qui illustrent une géante visitant certains bâtiments du centre-ville de Tunis dont l’immeuble AZERM et DISEGNI. Tunizilla est un mot valise née de la fusion de Godzilla et Tunis. C’est une série d’illustration qui raconte les aventures d’une géante à Tunis. Le projet Tunizilla est un projet très personnel avec lequel j’ai voulu exprimer mon opinion par rapport au paysage urbain de Tunis, néanmoins les gens arrive à s’y identifier et à réagir avec. La violence évidente de cette série d’illustration traduit ma frustration et mon appréciation de certains aspects de ce paysage urbain. En effet ma géante garde intacte les bâtiments qu’elle aime et détruit tout ce qui se trouve autour. C’est ça manière à elle de mettre en relief la beauté de l’architecture en la contrastant avec un environnement complétement ravagé et détruit. Ce projet à eu une première version qui a été exposé au festival féministe chouftouhonna en 2018 ; un triptyque d’illustration grand format 140 /100 cm en noir et blanc encre sur papier et feuille d’or. BIO Née en 1987 à Gafsa, Emna Messai une artiste illustratrice Installé à Tunis où elle poursuit des études en architecture. L’illustratrice à travers des techniques classiques explore des sujets contemporains qui se rapportent à son expérience personnelle. Très attachée son encre, son papier ses feutres pinceau et autre traceur elle retarde l’étape de numérisation le plus possible afin de profiter de ces moments précieux qu’elle passe avec ses outils graphiques. L’ingrédient essentiel de son processus créatif est des métaphores qui naissent d’une sorte de rêverie. Elle transcrit ces images au crayon sur du papier puis elle les retravaille à l’encre en essayant d’épurer et de vivre la chose comme un genre de communion. Le dessin passe du simple medium vers une méditation. Son œuvre est un amalgame des genres là où le surréalisme se mêle au croquis, la BD à la vanité. Tout y est imagé tout et porteur de sens et le réalisme n’est pas à l’ordre du jour. Emna est dans une quête perpétuelle d’élégance du trait et la force du contraste laisse paraitre l’influence de l’architecture. Ses illustrations et ses planches de BD se veulent nettes et expressives. Le monde d’Emna est résolument obscur malgré la blancheur de ses planches. Go Back Asma ben detail Asma
Ben Aissa Next Description Quand on parle de la nature, on ne peut pas ne pas évoquer le rapport Homme/nature, où les êtres absorbent par leurs sens les vertus irremplaçables des quatre éléments de l’univers (la terre, l’eau, l’air et le feu).
C’est ainsi qu’on se pose la question sur plusieurs dialectiques telles que le vu et le vécu, le lieu et le temps, l’intérieur et l’extérieur ainsi que le visible et l’invisible, pour vivre par conséquent une expérience tantôt matérielle, tantôt spirituelle.
La contemplation, voire l’expérience sensible, fige dans la mémoire du regardeur des fragments de la réalité, une fenêtre qui déborde progressivement pour s’ouvrir entièrement sur un espace pittoresque et magique qu'est le paysage. Mes recherches pratiques et théoriques se rapportant à ce sujet tournent autour de trois concepts primordiaux qui sont : le paysage, le déplacement et le temps, lesquels à leur tour, invoqueront d’autres notions telles que : la fenêtre, l’imagination, le voyage et donc, un rapport entre l’espace intérieur et l’espace extérieur. Certes, le paysage est un lieu de contemplation multisensoriel, et vu sa splendeur et sa beauté, il figure comme la première destination des voyageurs.
Ce projet présente une série de paysages imaginaires réalisée durant la période du confinement et postconfinement. Dans ce temps suspendu, l’enfermement a stimulé la production de cette série de paysages mentaux, là où le déplacement avait été interdit entre les régions, je me suis sérvi d’une imagerie utopique et des souvenirs mémorisés dans ma propre mémoire. Mes intentions pour ces oeuvres reflètent une confrontation entre la poïétique du textile en tant que matériau plastique et la poétique d’un espace naturel qu'est le paysage. La période du confinement m’a permis d’essayer d’autres techniques d’expressions tel que le textile comme matériau et support de travail, c’est un procédé de création économique d’une part et riche en tant que matière première d’autre part. Impressionnée par sa texture, sa trame et son aspect physique, tout objet ancien en textile pourrait servir à la réalisation d’un monde intérieur figuré par l’évocation du paysage. Chaque travail artistique nous suggère une ouverture vers un paysage mentale différent, vécu par l’imagination et les souvenirs, d’une imagerie rêveuse confinée. BIO Née en 1992 à Bizerte, Asma Ben Aissa est actuellement doctorante en science et pratiques des arts à l’Institut supérieur des beaux-arts de Tunis, titulaire d’un master de recherche en arts plastiques et peintre de formation. Elle participe à plusieurs expositions collectives et à des festivals en Tunisie depuis 2017. Asma Ben Aissa s’intéresse fondamentalement au paysage en tant que notion esthétique là où elle expérimente différents matériaux au service de ce dernier. Elle scrute les horizons à travers les matériaux qu’elle choisit afin de créer des étendues fictives et abstraites. Elle fige le temps d’une promenade par des vues qu’offre la nature pour se retrouver ainsi devant des endroits pittoresques « où le ciel et la terre se touchent ». Le travail d’Asma Ben Aissa s’ouvre à une perpétuelle attention accordée au paysage et à sa représentation. L’expérience du paysage n’est pas qu’une simple description façonnée à travers le regard. Pour elle, le paysage appartient à une réalité variable qui dépend continuellement du contexte dans lequel il est imprégné. La technicité de son travail réside dans l’usage de différents tissus qu’elle choisit en dépend de leur légèreté, leur épaisseur et de leurs nuances de couleurs. C’est à travers cet attrait aux nuances et cette annexion de fils qu’on arrive à saisir l’importance donnée à la temporalité et à l’expérience réelle de la contemplation. Les éléments omniprésents dans son processus créatif nous redirigent vers un jargon fantasmagorique personnel dans lequel s’entrecroisent la simplicité du matériau et la complexité de son usage. Asma Ben Aissa nous livre ainsi sa propre vision des fluctuations de paysages, fixés sur des supports par un apport plastique réfléchi. Son travail se résume en une fenêtre qui s’ouvre au monde, au sens propre comme au sens figuré. Go Back Hend detail Hend
Megdiche Next Description The first day of school, one of the most important memories that you will carry deep in yourself. The anguish of leaving home and security meddles with the excitement of making new friends and learning. For this work, I thought about the first day of school of 2020 in the midst of the pandemic. How kids will relate to this experience having to practice social distancing and wearing masks that prevent them from fully expressing themselves and making connections. I wanted to recreate the confusion and distress felt by a new kid at school in an alienating environment. Title : First day at school 2020 Format : 70*100 cm Technique : mixed media on paper ( ink, crayons, acrylics ) BIO Born in 1989, Hind Megdiche is a Tunisian artist and filmmaker. She creates portraits with postmodern influences, with a particular emphasis on the eyes that confront us with the question of modern identity and its complexity. Go Back Férielle detail Férielle
Doulain Next Description Durant la crise et l’expansion du virus, notre rapport à la nature a été bousculé. Cette nature que l’on pense domptée ou acquise peut nous sembler désormais dangereuse. Dans la lancée, nos gouvernements nous ont encouragés à rester chez nous et les activités humaines ont été réduites de moitié. Pour la nature, cela a signifié : reprendre son expansion à une vitesse originel, particulièrement aux endroits où l’homme a empêché le plus sa croissance. La volonté de réintégrer la nature à notre vie quotidienne semble être partagée par beaucoup d’entre nous à l’heure actuelle. Une volonté qui rassemble, unit et créer des visions nouvelles pour un futur qu’on espère différent. La nature n’est pas une menace, elle est l’origine. Dans la continuité de cette pensée, la nature est amenée à être représentée et questionnée dans le domaine artistique et particulièrement celui de l’art contemporain, qui aborde des sujets d’actualités. Dans mes recherches les plus récentes, je me demande quels peuvent être les liens entre l’art, la nature et notre quotidien. Ou encore, comment peut-on refaire connaissance avec la nature par le moyen d’une pratique artistique ? En cherchant à assembler des éléments du végétal à des objets fonctionnels de manière instinctive, tout en prenant en compte leurs spécificités biologiques, c’est une autre réalité qui se créée au moment présent. Le geste manuel acquiert une valeur thérapeutique et devient la métaphore d’une action réelle : celle de réapprendre, reconnaître, peut-être réconcilier. Dans « A propos de la Sansevieria Trifasciata », un végétal coexiste avec des éléments bruts de la vie quotidienne comme du fil de fer, des câbles électroniques, ou encore des fils en polyester. Les systèmes d’attaches et de liens font références à des réparations manuelles. La plante vit et grandit dans un dessin aérien en trois dimensions grâce à une technique d’accrochage inspirée des « Kokedama » : apparu il y a une vingtaine d’années au Japon, le principe de cet art végétal consiste à mettre en scène des plantes qui vont se développer dans une sphère de substrat composée de terre, d’argile et de mousse. Ici, l’ensemble du substrat est recouvert d’un tissu blanc. Enfin, les mouvements et les jeux de poids permettent de donner corps aux tensions qui subsistent entre les matériaux et les sujets. BIO Née en 1992 à Paris. Installée à Tunis depuis 2016. Férielle Doulain-Zouari est une artiste franco-tunisienne. A travers l’utilisation de techniques manuelles qui opèrent au présent, elle questionne les manières de représenter matériellement la réconciliation et le dénouement de conflits (identitaire, familial, personnel...). Ses travaux prennent la forme d’installations, de sculptures, et de tissages de différentes factures. Ses recherches sont essentiellement inspirées par les objets du quotidien, la circulation des marchandises bas-de-gamme, et les systèmes de débrouille mis en œuvre par l’Homme au quotidien. Dans ses travaux les plus récents, elle tente d’intégrer le végétal comme matériau de création, pour créer des ponts entre l’élément naturel, l’objet fonctionnel, et l’artifice. La question de la cohabitation du végétal et de l’artificiel devient centrale dans sa recherche artistique. Son atelier se déplace selon les opportunités rencontrées, y compris auprès d’artisans ouvriers. A travers ce parcours, la référence au travail manuel est devenue essentielle dans sa création ainsi que la volonté de susciter échanges et interrogations grâce à un langage plastique. Férielle Doulain-Zouari a exposé son travail en Tunisie, en France, en Autriche à l’occasion de la foire d’Art Contemporain Parallel, au Chili, en Algérie, et au Burkina Faso à l’occasion de la Biennale de Sculpture de Ouagadougou. Go Back Becem detail Becem
Sdiri Next Description [an act of self-creation] is an abstract audio-visual interpretation of my relationship with myself during and after the lockdown. It’s an extensive visual diary and an ongoing research. A visual and graphical summary of everything I can feel, see, touch or hear. The lockdown offers me something unique and special. It offers me a performative playground for experimentations, without any possible orientation, where anything falls in every direction; When I tried to practice detachment from my thoughts and stopped seeking answers but living the questions as they are, I realized that I'm a pattern-making organism engaged in a perpetual attempt to impose order on to chaos, and chaos on to order; making links between disparate entities or ideas in order to better understand either or both. This artwork is a constant dialogue, a speaking silence, a quiet cacophony of different frequencies, pitches, tempos, melodies and noises. Please use headphones and watch in 1080p full screen in a dark place for a better experience. WARNING : A very small percentage of people may experience a seizure when exposed to certain visual images, including flashing lights or patterns or noise sounds. BIO Graduated from Higher School of Design Sciences and Technologies in 2018, Tunis-based. Becem Sdiri is a graphic designer and visual artist, whose practice includes video, drawing and editorial design. As a visual artist, he is interested in places and people, people in places, and how they interact with each other.His process is oscillating between analogue methods like drawing, cut out, collage and digital methods like scanning and vector illustrations. Between 2018 and 2019, he participated in the Houmtek project of the Goethe Institut of ST4. During the lockdown period he was selected for the 'Solidarity culture' call of the Kaamel Lazer Foundation to create a live light performance in his neighborhood. Currently he is working on a publication for the Finnish Institute in Paris and the visual identity of their upcoming exhibition with MACAAL (Museum of African Contemporary Art Al Medan) Go Back Hamza detail Hamza
MOUSSA Next Description La ligne, le geste, le dessin... J'ai toujours eu une idée autre sur ce médium, la question que je me posais tout le temps; qu'est-ce qu'un dessin et quelles sont ses limites ? La plupart de mon temps, je dessine. Pas forcément en utilisant un traceur et un support, mais, je dessine en regardant, en pensant. D'ailleurs, parfois j'ai tendance à considérer tout comme dessin; toute ligne qui fait la distinction entre deux choses ;" le trait apparemment visible qui sépare deux pleins, ou deux surfaces, ou deux couleurs, mais qui, en tant que trait différentiel, est ce qui permet toute identification et toute perception". Ce qui me permet ensuite de concrétiser et de tracer ce regard et ces pensées à travers l'habilité de ma main. D'ailleurs, cette dernière est l'élément qui se retrouve dans tous mes dessins. C'est le sujet qui dessine et l'objet dessiné à la fois. Je ne vais pas vraiment trop loin pour chercher mon inspiration. Je m'inspire principalement de mon quotidien et de ce qui m'entoure. Il ne s'agit pas de l'illustration mais plutôt de l'expérimentation et de l'improvisation. Je laisse à mes dessins, à travers leurs compositions, leurs différentes dimensions et les éléments représentés, le fait de raconter leurs propos, en se dépendant du regard de leur spectateur. Je m'intéresse beaucoup aux détails qui résident dans le mouvement que mes mains font à chaque pas et leurs contacts avec chaque objet, dans le regard des gens dans le métro et dans les mouvements manuels du marchand quand il me rend la monnaie. Toute cette synchronisation automatique m'inspire. Et c'est pour cela que je cherche à rendre visible le négligeable dans la vie quotidienne ainsi que dans la pratique du dessin en tant que telle. Je cherche à créer un ensemble composé par des petites lignes infinitésimales qui en s'enchevêtrant donnent vie à des formes diverses de ce qui nous entoure et ce qui nous compose. Pour moi; être "confiné" ce n'est pas quelque chose d'étrange, ni quelque chose qui me fait ennui non plus, mais bien le contraire. Je m'étais déjà "confiné" pas mal de fois avec ma volonté. Mais je dois quand même avouer que cette fois ci, ça été différente. Bref, malgré cet événement exceptionnel vécu par l'humanité à cause du COVID-19, j'ai eu l'opportunité de reprendre mon projet d'exposition que j'ai initié pendant la résidence d'artiste en 2018 et que par la suite, malheureusement, j'ai pas eu le temps d'y accomplir. En addition, ça m'a permis au fur et à mesure d'avoir une nouvelle lecture au niveau de l'interprétation de mes travaux avec ce qu'on est entrain de vivre aujourd'hui. D'où, j'ai encore réalisé un triptyque de dessins de petits formats que j'ai intitulé "mood 1"; "mood 2" et "mood 3". Ce projet présente un ensemble de séries de dessins de différents formats parmi lesquels j'ai sélectionné pour cette compétition deux dessins de grands formats comme diptyque et un triptyque de petit format. Se laver les mains régulièrement, se rendre attentive à ce que nos doigts touchent, et puis si nos doigts nous touchent, et s'ils le font; C'est comme si nos doigts ne font plus partie de nous. La peur, la crainte, l'hallucination. Nos doigts, qui sont toujours curieux de toucher les choses, de caresser nos sens et de rencontrer d'autres doigts, se sentent de plus en plus seules, passifs et confinés. BIO Hamza Moussa est un artiste plasticien né en 1993 à Bizerte. Diplômé d'une licence fondamentale en arts plastiques (peinture), puis un master de recherche en théorie de la création à l'Institut Supérieur des Beaux-Arts de Nabeul. Après une vie estudiantine très riche en participations culturelles, il a participé à une résidence d'artiste pendant 11 mois au Centre d'Arts Vivants de Radés en 2017-2018 au cours de laquelle il a développé sa pratique artistique qui porte essentiellement sur le dessin; toutes techniques confondues ; un travail de longue haleine qui ne lésine pas sur le détail, et qui s’attache à traquer les objets les plus évidents, et paradoxalement les plus inattendus de son environnement. Le dessin a toujours été sa passion, mais aussi son souci. Sa curiosité et ses réflexions envers ce médium lui ont mené à penser au dessin autrement; plus qu'une forme d'expression, une technique et un art, mais surtout une manière de penser. As a visual artist, he is interested in places and people, people in places, and how they interact with each other.His process is oscillating between analogue methods like drawing, cut out, collage and digital methods like scanning and vector illustrations. Between 2018 and 2019, he participated in the Houmtek project of the Goethe Institut of ST4. During the lockdown period he was selected for the 'Solidarity culture' call of the Kaamel Lazer Foundation to create a live light performance in his neighborhood. Currently he is working on a publication for the Finnish Institute in Paris and the visual identity of their upcoming exhibition with MACAAL (Museum of African Contemporary Art Al Medan) Go Back Souhaiel detail Hidouri
Souhaiel
Next Description Restored soul… Becomes quieter and able to hear the inner-stillness… Shrinking body realizing its powerful and physical and intellectual property ...Pulled between a lug reality milted in stress, debt, insecurity, extinction, an awful pandemic, and a strong will by reminding ourselves daily “Living while we are busy surviving is a way better” and pushed ourselves to be more productive and get busy building overjoyed family ships… through this pandemic… we have to think clearly when we are immersed with panic and anxiety so facing it can leads to fading all these bad effects… people regret not the things they did, but the things they didn’t do the risks they never took, the dreams they didn’t pursue there will be times you get stressed and things you get depressed over but you must know something you must keep going, struggle and criticisms are prerequisites for greatness. That is the law of this universe and no one escape it, because pain is life, but you can choose what type either the pain on the road to success or the pain of being hunted with regret You are born anew in each moment, so own it now, Because you cannot go back and make a new beginning but you can start now and make a brand new ending a thought that I wrote after this quarantine ”Sometimes my mind drowns me in a messy of consciousness of me drift me away with an endless silence crushed by unusual rotary” BIO My name is Hidouri Souhaiel, I am passionate about art and illustration. After years of practice, I was able to develop an artistic eye. I have been a painter and illustrator for a few years. I master very well digital painting, oil painting, and acrylic painting Go Back Othmane detail Othmane
Selmi
 Description Cet abécédaire illustré présente un certain nombre de faits relatifs à la période du confinement en Tunisie. Sans être un journal de bord, encore moins un journal intime, il reflète néanmoins une lecture personnelle de l’actualité. Il a donc vocation de témoignage. De l’abécédaire, j’adopte le principe sobre, concis et percutant. Cependant, loin de simplifier les faits, mon abécédaire cherche à mieux les éclairer. Sa structure graphique réduite à l’essentiel et l’ordre (alphabétique) affiché sont une manière de mieux appréhender le chaos général. Le dessin assez rudimentaire et volontairement « naïf » garde tout son potentiel de point de départ à une réflexion critique et constructive. Au niveau des couleurs, mon abécédaire s’inspire de la palette des vieux livres pour enfants. Il y a de la nostalgie dans ce parti pris car c'est pour moi la fin d'une époque. Mais il s’agit aussi d’égayer un quotidien morose et de plus en plus anxiogène ; les images colorées surgissent pour insuffler un peu de fraîcheur et de bonne humeur au lecteur. S’il est vrai que j’ai d’abord destiné mon abécédaire du covid-19 à mes compatriotes, celui-ci a trouvé du succès au-delà des frontières tunisiennes. Au fil des publications, il est devenu une fenêtre ouverte sur le monde car, désormais, le monde a en commun les mêmes préoccupations et les mêmes priorités. BIO Othman Selmi est un illustrateur et auteur de bande dessinée et gra phiste tunisien. Diplômé de l'Ecole Supérieure des Beaux-Arts de Tunis, il commence sa carrière dans la publicité et comme dessinateur de presse, univers que l'on retrouve dans ses dessins. Des illustrations aux traits simples, des couleurs vives, des textes engagés toujours pleins d'humour et teintés d'ironie, Othman fait entendre sa voix à tra vers ses coups de crayons et sa plume, redessinant sa Tunisie natale en toute liberté. Directeur artistique et directeur de création, l'artiste préconise le tra vail en équipe en multipliant les collaborations artistiques. Il a publié des bandes dessinées en collaboration avec le collectif Lab619 en Tunisie ainsi que des publications à l'étranger tel que le Sa mandal et F/I/M/P (Liban), les éditions Actes Sud et Alifbata (France), Correspondants en Allemagne, The Nib (USA) et l'Internazionale en Italie. Il travaille actuellement comme directeur artistique pour la revue Légal Agenda dont il assure aussi les illustrations de la version tu nisienne.

Prix / récompenses PRIX MAHMOUD KAHIL 2016 de la Bande dessinée THE MU'TAZ & RADA SAWWAF ARABIC COMICS INITIATIVE (Liban) PRIX MAHMOUD KAHIL 2018 catégorie Editorial Cartoons (Finaliste) THE MU'TAZ & RADA SAWWAF ARABIC COMICS INITIATIVE (Liban) Deuxième Prix Media Loves Tech, Édition 2019 (Tunisie) Prix espoir (2ème Prix) au Festival International de la Bande Dessinée de Tétouan (Maroc) Principales expositions (Individuelles et/ou collectives) Exposition collective, Festivaletteratura, « Tunisi in libri » (i segni di Tunisi: Fumetti), (Mantova, Italie, septembre 2020) Exposition collective, In-transit // " Displacement and Seeking Refuge as seen through Comics" à Beit Beirut (Beyrouth, Liban, 2019) Exposition personnelle autour de mon travail d'auteur de bande dessinée dans le cadre du festival Ara bisch-deutsche Literaturtage, (Allemagne, Berlin, octobre 2019) Exposition collective « Migrando, Gridano, Sognando » (Stories of migrants in the eyes of the Mediter ranean cartoon) Curated by Valerio Bindi, Simona Gabrieli, Matteo Stefanelli au festival du COMICON (Naples, Italie, avril 2019)
Exposition personelle, «Migrazione, The Color of Pain», festival CRACK (Roma, Italie, juin 2019) Exposition personnelle de dessin de presse et dessins politique, festival Paroles Indigo, (Arles, France, 2018) Exposition Collective « Nouvelle génération, la bande dessinée arabe aujourd'hui » au musée de la bande dessinée d'Angoulême (Angoulême, France, janvier 2018) Go Back